| PRORAP.RU - Русский Рэп, Рэп, Хип-Хоп, Русский Хип-Хоп, Новости, Интервью, Статьи, Релизы, Афиша, Рэп видео, хип-хоп видео, хип-хоп одежда, хип-хоп музыка. guf, центр, гуф, баста, многоточие, centr, триада, basta, стимул, st1m, юг, нагано, каста, баста скачать, многоточие, лигалайз, серега, ntl, смоки мо, krec, реп, капа, каппа |
| домой
 2010-09-06, новостей на данном канале небыло
| Народная русская музыка всегда была и остается богатым источником вдохновения для многих музыкантов. Вроде бы и не осталось уже исконно русских деревенских праздников и песен под гармошку и рожок. А раз таких не осталось, то их надо или постараться вспомнить, или уже существующее стилизовать под старину.
Этими двумя принципами и руководствовался в своем творчестве питерский фолк-коллектив Иван Купала. О уважении к народу и возвращении к древним традициям говорит уже то, что группа была названа в честь известного праздника Ивана Купалы, издавна почитаемого в народе. Говорят, творчество группы началось, когда Алексей Иванов, Алексей Румянцев и Денис Федоров поставили перед собой задачу посетить русскую глубинку, собрать материалы и, обработав их, выдать истинно русский проект. На основе этой идеи и долгой работы и появился фолк-проект Иван Купала.
Песню «Кострома», с одноименного альбома, наверняка слышали почти все. Композиция в электронной обработке воссоздает русский дух, атмосферу праздничных гуляний, а хор солисток – диалог на устаревшем русском между давно не видевшимися подругами, который можно услышать в той же Костроме.
Открывает пластинку мелодичный рожок песни «Купала». С нее и начинается повествование о жизни на Руси: «Это было очень давно…» И действительно: там русский дух, там Русью пахнет… Хор девок, как и когда-то в древности, бодро поет про «Брови» и «Виноград» и грустно – про «Воротечки», а старушечий голос под свирель дудки вспоминает «Молодость».
Поражают композиция «Святочки», сделанная в стиле регги, электронные «Коляда» и «Канарейка» и восточная «Галя», характерная, скорее для Индии.
Мне кажется, альбом будет хорошим подарком для иностранцев, мечтающих познакомиться с Русью и ее культурой, а также для тех, кто увлекается фолк-музыкой.
|
| 2006-12-05 |
| Если вы были фанатом Backstreet boys, любите романтичную песню или ищите подходящую музыку для ответственного свидания с любимой, во время которого вы собираетесь признаться ей в любви, то диск IBU “Next To The Candlelight” сослужит вам добрую службу. Более того: он скажет все за вас.
Появившаяся в 2001 году, группа IBU состоит из двух американцев филиппинского происхождения и выходца из Лаоса, чья семья иммигрировала в Америку, когда ему было 3 года. Все трое с раннего детства занимались музыкой: одному вокальные данные достались в наследство от матери, другой пел в церковном хоре, а третий постоянно упражнялся в караоке. В последствии к группе присоединился еще один участник, бывший танцор и хореограф, который успешно дополнил уже существующий коллектив. В 2002 году группа записала свой первый сингл Next To The Candlelight, который почти что сразу нашел своих почитателей, как и последующие альбомы, благодаря которым IBU вполне заслуженно завоевали титул лучшей бойз-бэнд в Чикаго.
Лирический герой песни Next To The Candlelight, исполненной на альбоме в трех разных вариантах, - большой романтик, мечтающий лишь об одном: чтобы однажды его любимая оказалась рядом с ним, сидела с ним рядом в полной темноте, где единственным источником света было бы мерцающее пламя свечи. Он рассказывает о письмах, которые он ей написал, о том, как с каждым днем его любовь растет, о том, что он готов отдать свое сердце, душу и разум ради счастья, которого он сможет достичь лишь рядом с любимой. У вас не хватает слов, чтобы выразить восхищения любимой? Поставьте ей Next To The Candlelight и она все поймет.
|
| 2006-12-05 |
| Дейв Пелл начал свою карьеру в 40-е годы, когда, будучи подростком, гастролировал с группами Тони Пастора, Боба Астора и Бобби Шервуда. Потом он переехал в Калифорнию, некоторое время работал на радио и играл в различных коллективах, а со временем решил начать сольную карьеру. Уже с 1953 года он руководит собственными группами, состоящими преимущественно из 8 человек – октетами, записывает диски и работает продюсером в звукозаписывающих компаниях. В качестве гостей в свои проекты он приглашает таких музыкантов как Пеппер Адамс, Бенни Картер и Мел Льюис.
В конце 60-х октеты распались. Решение возобновить их деятельность было принято Пеллом уже в 80-х, когда он сделал упор на живые выступления коллектива, в частности в рамках Джазового Фестиваля Западной Америки в 1984 году.
Live At Alfonse’s – одна из первых немногочисленных живых записей, оставшихся в наследство от октета Пелла. Изначально выпущенная в 80-х, она была переиздана в конце 90-х ввиду своей актуальности.
В записи пластинки приняли участие такие лос-анджелесские музыканты как Стив Хуфстетер, Рик Кулвер, Боб Эффорд, Том Варрингтон и Франк Капп. Несмотря на то, что новый состав сильно отличался от первоначального, в ней по-прежнему жив дух и традиции 50-х. Бодрый и глубокомысленный одновременно, он стал традиционным для западноамериканского джаза, где на первый план выходят саксофон и барабан.
Особое внимание следует обратить на лиричную “Angel Eyes”, а также такие знаковые композиции "Love Me or Leave Me," "You're My Everything," "Them There Eyes," and "I Found a New Baby", в которых в полной мере отразился дух эпохи.
Если вы считаете себя любителем джаза, этот диск обязательно должен быть в вашей коллекции.
|
| 2006-12-01 |
| Мы верим в бога – постулат, которым живет большинство американцев. Жизненным девизом он стал и для Деррика Монка, который начал свою музыкальную карьеру с игры на органе и школы церковного пения. С тех пор бог так или иначе присутствует во всех его альбомах, а сам Деррик считает, что именно голос свыше помог ему сделать успешную музыкальную карьеру.
После такого описания многие, наверное, решат, что диски Монка похожи на церковные мессы и слушать их не имеет смысла. И сильно ошибутся в своих рассуждениях. Таких легких, оптимистичных, динамичных и в то же время чрезвычайно гармоничных треков еще следует поискать. Как говорит сам музыкант, идеи для альбома рождались у него в голове по дороге на студию: в те долгие часы, что он ехал по автострадам, бог разговаривал с ним и делился с ним новыми идеями. Именно бог диктовал ему и музыку, и слова песен и даже помог справиться с чувством одиночества, которое было вызвано отдалением так называемых друзей в период записи пластинки.
Возможно, благодаря всему этому, у Монка в результате получился шикарный мелодичный альбом, в котором талантливый мужской баритон раскрывает весь широкий спектр своих вокальных способностей под легкую и приятную музыку. Глубокомысленные соул-композиции сменяются битами, более характерными для рэпа, а приятные переливы фортепьяно – динамичными барабанами. Многие критики, впервые услышав работу Монка, сразу же заговорили о новом звуке, который музыканту удалось достичь.
Благодаря ненавязчивости музыки и приятному вокалу, диск станет приятным фоном в машине или на работе. Хочется создать себе легкое радостное настроение? Back on Track без труда удастся сделать это.
|
| 2006-12-01 |
| Красота и загадка Востока уже давно очаровывают вас? Вам хочется вдохнуть сухой и жаркий воздух пустыни, окунуться в мир оазиса и сказок 1001 ночи? Диск ДиДюЛи «Дорога в Багдад» вам поможет.
Его Багдад – это еще не разрушенная американцами столица Ирака. Это Багдад средних веков. Тот, где на берегу реки танцуют танец живота красавицы, а из пустыни дуют самумы.
Альбом открывает электронная композиция в восточном стиле с характерным названием “Arabica”, которая лишь первая ступень в познании загадки арабской души. Арабские напевы, витиеватая музыка и слог плавно переходит «На побережье». Там, уже танцует свой чарующий танец совсем молодая, но уже знающая все тонкости Востока «Лейла». На сазах и барабанах ей аккомпанируют бедуины. Так проходит, пожалуй, самое главное событие года: «Дня рождения» султана. Впрочем, ему, виновнику торжества, уже порядком надоели красивые, но спокойные напевы. Он требует зажигательного танца. В «Чаппе» меняет все: музыка становится бодрее, а танцовщицы ускоряют темп. Их движения быстры, браслеты звенят на руках и под звуки «Грома» они увлекают в свой необычный мир.
На диске нет слов – только музыка, чарующие ноты востока. Даже удивительно, что белорусскому музыканту ДиДюЛе при помощи гитары удалось настолько точно, но при этом современно передать восточный мираж, появляющийся при прослушивании диска. Еще на прошлой пластинке он, восхищенный испанским фламенко, мастерски воспроизводил древний андалусский танец. Теперь же он – бедуин, а его задача – рассказать красивую сказку о восточной жизни. И это у него получилось. Остается лишь закрыть глаза и попытаться разгадать те тайны, которыми музыкант хочет поделиться со слушателями.
|
| 2006-11-28 |
| Хочется пива? Панк-группа Lung Cookie однозначно поддержат вас в стремлении выпить кружку-другую. Эти ребята настолько любят его, что весь свой первый альбом, состоящий из 16 треков, посвятили пиву, пабам и всему, что с ними связано.
На обложке альбома изображен человечек, плавающий на спасательном плоту в пивной кружке, а сама пластинка состоит из несвязанного набор фраз, слов, букв, с помощью которого хриплым, изрядно пьяным голосом солист поет оду пенистому напитку. Однако вы вряд ли услышите интересные и глубокомысленные слова из его уст. Его рассказы носят скорее житейский характер: о том, как он идет в бар, как его мучает жажда и желание выпить пива. Мало кто способен c такой непередаваемой любовью петь о нем в акустической и трогательной одноименной “Beer”.
Все страдания и муки жаждущей пива души происходят, естественно, под музыку. Бодрую, гитарную, с сильными и жесткими барабанными партиями. Заставляющую как минимум выбраться в ближайший бар, где уже собралась компания единомышленников, готовых хриплыми пьяными голосами невнятно выкрикивать похвалу тому, что они пьют. Потом, конечно, им бывает мучительно стыдно, о чем музыканты не забывают напомнить в “Barfly" и "Sorry". Однако, это вовсе не повод навсегда забывать дорогу в кабак, а также друзей, которые ждут тебя там. А Lung Cookie, типичным представителям панк-музыки, и подавно. И если вы возьмете их с собой, они лишь отблагодарят вас и послужат прекрасным фоном для очередной встречи.
|
| 2006-11-28 |
| Путь Эллы Фитцджеральд, девочки из бедной семьи, в мир музыки начался тогда, когда в 1934 году в возрасте 17 лет она попала в театр Аполло в Гарлеме, исполнив на творческом конкурсе «Джуди» и выиграв его. Различные песенные соревнования она уже выигрывала не раз, однако именно благодаря «Джуди» она не только попала в театр, но и в оркестр самого Чика Вебба. Уже спустя 4 года она прославилась на всю Америку благодаря своим хитам “A-Tisket, A-Tasket" и "Undecided", а в 1942 году начала сольную карьеру. Совсем скоро "Lady Be Good", "How High the Moon" и "Flying Home" прославили ее и среди аудитории далекой от джаза.
Фитцджеральд не только снималась в кино, записывала пластинки и гастролировала, но и пожала окружающих своей непревзойденной интерпретацией Джорджа Гершвина и Коула Портера и Дюка Эллингтона. За что по праву удостоилась титула первой леди песни.
Голос помог ей не только завоевать популярность при жизни, но и навсегда войти в историю музыки. Возможно именно поэтому даже после ее смерти, альбомы Фитцджеральд многократно переиздаются и раскупаются огромными тиражами.
Особым успехом пользуется пластинка, состоящая из 5 частей под названием The Legendary Volume, первоначально выпущенная на английском лейбле Acrobat. Они разделяются по годам. Так, например, Volume 1, или первый том, состоит из произведений конца 30-х годов. Это время начала подъема в карьере певицы, активно сотрудничавшей с оркестром Чика Вебба.
Пластинка примечательна такими композициями как "My Melancholy Baby", исполненная совместно с Тедди Уилсоном, "Goodnight My Love" с оркестром Бенни Гудмена и "When I Get Low I Get High" и "Sing Me a Swing Song" с оркестром Чика Вебба. Именно благодаря этим произведениям, таким радостным и легким, но в то же время таким глубокомысленным и спетым так искренне и четко, к певице пришел заслуженный успех. Атмосфера праздника и безмятежности понравится тем, кто не знаком с творчеством Фитдцжеральд, для фанатов пластинка будет настоящим подарком благодаря четким хронологическим рамкам.
|
| 2006-11-24 |
| Музыканты из американской группы Resurrection (Возрождение) – выходцы из Нью-Йорка и серьезные ребята. Слушают Black Sabbath и Led Zeppelin, слов на ветер не бросают, а свой дебютный альбом записывают под названием Adult Video. Они выросли. В их музыкальном мире нет места для детей и их творчество адресуется только взрослым.
Пластинку открывает сильная рок-композиция под названием “Low Ride”. Эхом мощных гитарных аккордов звучит отдаленный голос солиста. Кажется, что он пытается поспеть за ними, но они намного его опережают.
По энергичности ей ничем не уступает и последующая “Fiend”, однако уже к “Real” настрой музыкантов меняется, а сама композиция приобретает более спокойный оттенок по сравнению с первыми треками. При этом и в ней присутствуют красивые и динамичные гитарные рифы, однако на первом месте уже не гитара, а вокал.
Следующая “Let train” – своеобразный перерыв. Слова не нужны, когда есть музыка. Пока грустная, заставляющая задуматься о прекрасном. Сменяющий ее “Rust” намного тяжелее. Наверное для того, чтобы напомнить слушателям о том, что они – серьезная рок-группа. При этом пластинку завершает “Unbroken Man”, носящая скорее блюзовый характер.
Итак, мы видим, что поставленная задача музыкантам удалась: на альбоме нет ни одной композиции, похожей на другую. Их всего шесть, однако каждая из них живет своей самостоятельной жизнью, у нее своя душа, свое настроение и свой взгляд на окружающий мир. Кажется, что каждый новый трек – очередное перерождение группы, ее новая жизнь.
Нельзя не согласиться с тем, что музыканты не только доросли до записи полноценного альбома (пусть пока и в формате EP), но и проделали серьезную работу для того, чтобы завоевать симпатии слушателей.
|
| 2006-11-24 |
| Редко бывает так, что альбом цепляет. С первого раза и надолго. Это как первая любовь: приходит неожиданно, мгновенно поселяется внутри тебя и надолго остается в сердце.
Примерно так же происходит и с диском Ambience, завораживающим магией звука с первых нот, сразу же располагающим к себе и оставляющим после себя радостное и легкое ощущение.
Он дает слушателю полную свободу фантазии и с самого начала уносит в волшебную страну музыки. Недаром первый трек называется “Aero”. Он легкий, почти невесомый, воздушный. Композиция заставляет как минимум переместиться куда-нибудь в искрящиеся, белоснежные горы, где можно вздохнуть полной грудью и ощутить всю прелесть воздуха.
Постижение сущности воздуха группе показалось мало – следующим этапом оказалось изучение структуры атома изнутри. Он оказался тяжелым, грустным, задумчивым и абсолютно инертным. Полная его противоположность – город. “Transport” – это безумный ритм жизни, шум дороги, машин, поезда в метро, просыпающийся по утрам огромный мегаполис, дышащий и думающий.
“Ambience”, одноименная названию альбома композиция, обдувает ночной прохладой, безмолвием и одиночеством, а вот “Serenity”, напротив, раскрывает внутренние чувства и переживания своего лирического героя, стремится постичь его душу и вызвать в ней как минимум нежность и расположение.
Восточная “Metropolis” погружает слушателя в загадки мира востока, где утро начинается с зова муллы в мечети, а первые лучи солнца обжигают и приносят в город невыносимую жару. Впрочем, все это – лишь некоторые ассоциации, рождаемые при прослушивании диска. Стремитесь пополнить библиотеку эмоций? Ambience однозначно вам в этом поможет.
|
| 2006-11-21 |
| Название Hooray! for Everything пришло в голову четырем подросткам из Питтсбурга почти сразу. Оно – дань уважения любимому всеми американскому мультфильму про Симпсонов. Так же как Симпсоны собирают у экрана таких разных и непохожих людей, Hooray! For Everything собрали в своем творчестве столь разные и непохожие эмоции, которые испытывали участники проекта. Этим они практически сразу отделили себя от уже существовавших в городе поп-панк и альтернативных групп.
Описать свой стиль ребятам оказалось не под силу: они привыкли творить не придерживаясь каких-либо рамок, поэтому в их творчестве сочетается и альтернатива, и панк, и эмо, и традиционный рок и даже элементы фолка. «Мы играем то, что мы чувствуем» - вот и все объяснения.
Чувствуют же они, судя по их альбому All That’s Left нечто непередаваемое: это ураган эмоций, молодости и энергии, разрывающий каждого из участников изнутри. Когда же их чувства сливаются воедино, то получается драйв: на надрыве звучат гитары и голоса, переходящие в единый бешеный ритм барабанов и гитарных рифов. К этому следует добавить правдивую лирику – историю разбитых сердец и личных переживаний.
Впрочем, музыканты понимают, что продолжать истерию до бесконечности невозможно и дают слушателю отдохнуть. Это – лиричные и спокойные треки Late Sunday Evening, Whisper, Somewhere Between Everything, The Ballad of Paul и отчасти New Years Eve и When Stars and Sky, составляющие своеобразный переход от медленных треков к резким и крушащим все на своем пути.
Если вы молоды, полны решимости и в вас живет мощный дух протеста – этот диск определенно для вас.
|
| 2006-11-21 |
| Панкам с этого альбома наверняка очень нравится давать шумные концерты, громко кричать и уходить, оставляя после себя опустошенные сердца и разбитые бутылки – такой вот у них образ жизни.
Их много и они разные. Объединяет их лишь то, что в каждом из них живет море драйва. Которое и объединило их произведения в один совместный компакт-диск. Уже второй по счету. Что для молодых команд, а также групп со стажем оказалось неплохим промо-ходом и возможностью лишний раз заявить о себе.
Открывает пластинку бодрящий трек от немецкой гитарной панк-группы Donots, существующей еще с 1994 года. Следом за ней идут целых 4 композиции, ранее не выходившие. Всего же на пластинке таких мелодий 10, то есть ровно половина. Другая половина – демо-записи или редкие треки. Из выходивших ранее на дисках – всего 5, однако это несколько не умаляет достоинства альбома. Напротив, возводит его в ряд музыкальных новинок, а не компиляции только ранее изданного материала.
Эмоциональное настроение у пластинки приподнятое, бодрое. Кажется, что панки только и умеют, что радоваться жизни и беситься и очень довольны тем, что их творения наконец-то будут услышаны. Они громко кричат в микрофоны, бренчат по струнам и отдают слушателям свой бодрый настрой.
Особняком стоит лишь, пожалуй, демо-запись от Slowreader (трек 10) – красивая, холодная и лиричная композиция.
Если вам необходимо срочно поднять настроение или хочется побеситься, то в лице музыкантов с Empty Hearts, Broken Bottles вы точно найдете союзников.
|
| 2006-11-09 |
| История проекта Amphibious Assault началась еще в 2001 году, когда его основательница и по совместительству гитаристка небезызвестной девичьей ню-метал команды Kittie, тогда еще 17-летняя Фаллон Боумен, летела в самолете из Онтарио в Нью-Джерси и листала роман Тома Клэнси. Неожиданно ей в глаза бросилось красивое сочетание "amphibious assault", означающее особую военную тактику.
«А это могло бы быть хорошим названием для группы…» - решила Боумен и, недолго думая, ушла из своей многообещающей группы. Она купила необходимые для любого электронщика фишки, всегда время так восхищавшие ее, и решила начать все с нуля, однако страх сделать что-то неправильно долгое время мешал ей найти себя. Поэтому Фаллон собирала коллекцию звуков, тщательно смешивая их и создавая что-то глубоко личное.
Окончательно раскрыться начинающей электронщице помогли как ни странно политические события, не имеющие к ней, на первый взгляд, никакого отношения. Буря возмущения и внутренний протест, вызванные террактами 11 сентября и иракской войной, послужили мощным импульсом для Боумен. Так родился ее альбом District 6, главная тема которого – революция. Благо политическая и военная обстановка на время записи пластинки была подходящей: в мире царили конфликты и душераздирающий крик Боумен пронесся по всему миру. Ее волнует вопрос глобализации и то, как она отразится на окружающих, какие эмоции в них вызовет. Ее волнует война, коррупция в демократии и другие актуальные темы, однако странные для электронщиков.
Боумен заставляет слушателя думать. Для этого используются звуки города, непредсказуемые партии на синтезаторе, драм-машина и низкий, гортанный голос певицы, так удачно ложащийся под музыку. В результате рождается образ человека, города, страны, немного нервного, спешащего, чего-то боящегося и думающего о будущем по ночам, усиленно напрягая уставший за день мозг.
Однако даже этот странный образ можно написать красиво. Что вполне удалось Amphibious Assault. Видимо, особая тактика.
|
| 2006-11-09 |
| Латиноамериканская душа, как известно, жить не может без музыки и именно благодаря музыке выражает себя в полной мере: в ней и страсть, и любовь, и горечь, и разлука, и страдания, и счастье. Короче, все те чувства, которые может испытывать человек, латиноамериканцы выражают музыкой. Однако одной лишь музыкой дело обычно не ограничивается: она состоит в тесной связи с танцем, передающим ее экспрессию через движения. Звучат первые ноты и уже стучат по асфальту стоптанные каблуки, артистично заламываются руки и меняет свой наклон голова. Но при этом не стоит забывать, что самба, румба, танго – это, прежде всего, стиль жизни и лишь потом способ самовыражения.
Образом жизни танго стало и для выходца из Санта Фе Рамиро Гало Кинтето, с раннего детства игравшего на скрипке. Со временем обязательные занятия музыкой переросли в многочасовые интерпретации известных аргентинских произведений, в результате которых Кинтето попал в симфонические и камерные оркестры Аргентины и стал широко известен как внутри страны, так и за ее пределами.
В 2002 году он записывает свой дебютный альбом Florece, в котором предоставляет на суд слушателей уже известное им танго. Однако в абсолютно новом звучании: традиционную гитару сменяет скрипка, а казалось бы знакомые темы приобретают новый смысл за счет оригинальной интерпретации. Возможно, именно эти 2 фактора послужили основанием для того, что сразу же после выхода пластинки Кинтето удостоился звания одного из лучших тангеро (исполнители танго) современности.
Если Латинская Америка живет внутри вас, то этот диск, трогательный, лиричный, яркий и эмоциональный – определенно для вас.
|
| 2006-11-08 |
| О том, кто такой Сергей Васильевич Рахманинов, автор опер, симфоний, «Симфонических танцев» для оркестра, четырёх концертов и «Рапсодии на тему Паганини» для фортепьяно с оркестром, многих фортепианных произведений и романсов, получивший титул «пианист века», знают не только выпускники музыкальных школ и консерваторий, но и те, кто когда-либо сталкивался с классической музыкой.
Рахманинов родился в Новгородской губернии, учился в Петербургской и Московской консерватории (в последней даже есть зал, названный в его честь), много писал и дирижировал, дружил с Шаляпиным и посвятил ему несколько своих произведений, в 1917 году уехал в Стокгольм, а оттуда в Америку, где скончался в 1943 году.
Однако даже в XXI веке полные внутреннего смысла произведения известного композитора остаются востребованными: их можно услышать не только в консерватории, но и по радио, а для тех, у кого нет ходить в консерваторию или слушать, когда же зазвучат по радио знакомые мелодии, выпускают диски с произведениями известных классиков.
Диск с длинным названием «Рахманинов. Концерт №1 для фортепиано с оркестром фа диез минор, ор.1. Концерт №2 для фортепиано с оркестром до минор, ор.18» - как раз из таких. На нем шесть произведений (каждое из которых длится около 10 минут) на время переносящих слушателя в концертный зал, где задумчивым мелодиям фортепьяно аккомпанирует оркестр под руководством известного музыканта Андрея Аниханова, главного дирижера Симфонического оркестра Санкт-Петербурга. В результате совместной работы они создают потрясающую атмосферу конца XIX-начала XX века и полностью передают мысли, вложенные в произведения автором, а также эмоции, которые он испытывал, когда писал их.
Сложно сказать, сможет ли диск полностью заменить посещение консерватории, но познакомить с творчеством Рахманинова и, возможно, послужить стимулом для похода на концерт он способен.
|
| 2006-11-08 |
| Многим, наверное, покажется странным, что хрупкое и трогательное название Cinderella (Золушка), ассоциирующееся, скорее, с одноименной сказкой, принадлежит группе из Пенсильвании, играющей хард-рок, которые некоторые критики называют глэм-роком, а иногда даже и металлом.
Группа появилась во второй половине 80-х и за первые 4 года своего существования записала 3 альбома, которые стали известны благодаря таким хитам как “Shake Me", "Nobody's Fool", “Somebody Save Me", "Don't Know What You Got (Till It's Gone)”, "Gypsy Road" и "Shelter Me".
В 90-х Cinderella сделала перерыв в своем творчестве как из-за разногласий в коллективе, так и из-за проблем с голосом, возникших у их солиста Тома Кифера.
Однако уже в 1999 году вернулась на сцену с первым live-альбомом Live At The Key Club записанный в Лос-Анжелесе, в который вошли все хиты музыкантов конца 80-х и начала 90-х.
Мощная гитара и надрывный голос Кифера, рычащий и истерично вопящий одновременно – вот основные фишки альбома. Не лишенные при этом особой мелодичности и красоты. Примерно так же в 80-х пели и Bon Jovi, и Aerosmith, и AC DC – те же гитарные запилы, лохматые шевелюры и не всегда понятные слова, которые солисты на самых высоких нотах кричат в микрофон. Cinderella вполне отвечает стандартам того времени.
Сложно сказать, как воспримет коллектив современное поколение, выросшее на r’n’b, однако любителям рока 80-х диск обязательно понравится.
|
| 2006-11-02 |
домой |
